En 1867, tras la caída del pseudoimperio de Maximiliano, tanto La Escuela como La Academia queda­ron bajo el cuidado del Gobierno de Querétaro.

El año de 1916 señala el inicio de una época de grata memoria para La Academia: Don Germán Patiño propone establecer en forma una Escuela de Bellas Artes que con el tiempo se convierte en semillero de grandes artistas y conjunta a magníficos maestros, como Don José Aguilar en música; al Vate Ruiz Cabañas en literatura; Don Agustín González en solfeo; Don Felipe Ángeles en dibujo y el propio maestro Don Germán Patiño en pintura.

El 20 de mayo de 1953, el vetusto edificio se llenó de bullicio y alegría inusitados. El entonces Gobernador del Estado, Dr. Octavio S. Mondragón, hacía entrega del inmueble a la Universidad Autónoma de Querétaro y su Rector, el Lic. Femando Díaz Ramírez nombraba Primer Coordinador al Lic. J. Guadalupe Ramírez Álvarez, constituyéndose así el “Instituto de Bellas Artes de la U.A.Q.” Fue ésta la época de maestros como María Oñate, Enriqueta Rangel, Carmen Septién y Esperanza Cabrera en piano; César Quirarte en violín; Alirio Campos, fundador del Coro de la Universidad; Cecilia Legarreta, Estela Barrón y Ma. Elena Cisneros en danza y ballet; Salvador Galván, Agustín Rivera y Jesús Rodríguez en artes plásticas y el nacimiento de grupos que han dado renombre internacional a nuestra Universidad, como los “Cómicos de la Legua” y la “Estudiantina de la U.A.Q.”

Estos últimos cuarenta años de existencia de las Bellas Artes en la U.A.Q. nos han permitido basamos en la experiencia del pasado para actuar en el presente y proyectar el porvenir. Las necesidades de creci­miento crearon el edificio de Bellas Artes en el Centro Universitario (año de 1985} para las artes visuales y escénicas, quedando el edificio de Juárez e Independencia para las actividades musicales. Las expectativas sociales y el decidido apoyo del Ing. Jesús Pérez Hermosillo, actual Rector de la U.A.Q. nos han motivado para pasar de la época romántica y bohemia de los talleres de arte a la de la profesionalización con la Licenciatura en Educación Musical y las carreras técnicas de Ejecutante Instrumentista, Restauración de Pintura de Caballete y Diseño en Artes Visuales, de las que hemos entregado a la sociedad las primeras generaciones de profesionistas; así mismo, se ha establecido la Licenciatu­ra en Artes Visuales, la Licenciatura en Música y las carreras de Técnico en Artes Plásticas y Técnico Teatral y se proyecta la Licenciatura en Artes Escénicas.

En el área de creación artística se ha estimulado el crecimiento de 14 grupos que participan en las activi­dades de difusión apoyadas por nuestra Universidad y demás instituciones y colaboran en proyectos que se antojaban utópicos, como la participación en Operas, la exhibición de nuestros artistas plásticos en el extranjero y la obtención de premios en teatro y danza a nivel nacional e internacional.

¡Feliz aniversario, mi querida Escuela!

“ARTE, BELLEZA DEL ALMA Y EXPRESION HUMANA”]]> ]]> ]]> dance, which reduces the field of interpretation for both the dancer and the actor.
Hence, this investigation relies on the analysis of the avant-garde studies in the
field of Modern and Contemporary Art, apprehending the problem of the
« expressive body » in the scenic arts. Different theoretical proposals for the scenic
arts are analyzed which support the importance of unity between Dance and
Theater, mainly in the proposal by Kazuo Ohno in the art of Butoh, affirming the
fundamental idea of unity between theater and dance through a one and only
« expressive body ».]]> danza, lo que limita las posibilidades interpretativas tanto del bailarín como del
actor, por lo que ésta investigación gira en torno al análisis de las posturas
vanguardistas que en el área de estudios del Arte Moderno y Contemporáneo
abordan el problema del cuerpo expresivo en las Artes Escénicas.Se analizaron
diferentes propuestas teóricas de las artes escénicas que aluden a la importancia
de la unidad de la Danza y el Teatro y de manera importante se estudió la
propuesta de Kazuo Ohno en el arte del Butoh que permite afirmar la idea
fundamental de una unidad entre el teatro y la danza a través de un sólo cuerpo
expresivo.]]> profesional de Federico Castro y el impacto que ésta representa en el quehacer
dancístico de nuestra cultura. Establecer un antecedente para la compilación y
divulgación de material relacionado con la danza que sirva a presentes y futuras
generaciones de estudiantes y profesionales como parámetro para crear y
constituir sus obras, así como generar una referencia para todo el que requiera la
información aquí contenida; ya que actualmente se carece de material de consulta
sobre el importante papel que figuras como Castro han desempeñado en el ámbito
artístico mexicano. La información sobre la breve historia de ta danza, las
biografías de lsadora Duncan y Martha Graham, así como los datos biográficos
sobre Guillermina Bravo y Federico Castro se tomaron de publicaciones
reconocidas y se complementaron con investigación, entrevistas personales y el
testimonio de la autora. Para el compendio coreográfico, se recolectaron
programas de mano, documentos hemerográficos y otros impresos que
contuvieran los datos completos de cada obra creada por Castro. Se incluyeron
veinticinco fotografías que testifican algunas coreografías y sesenta y cinco
fotografías de los personajes mencionados como apoyo visual al contenido. Se
recorre desde la antigüedad, la raíz que desemboca en la línea que ha trazado
Federico Castro como bailarín, maestro y coreógrafo. Es necesario entender cómo
llegó a representar un punto de referencia en la cultura mexicana, por tal motivo se
analizan las relaciones dadas entre personas e instituciones como Guillermina
Bravo y El Ballet Nacional de México, que permitieron el desarroüo de la danza
moqema en nuestro país, hasta precisar la trayectoria profesional del artista en el
presente testimonio. Se necesitan coreógrafos con la energía creativa de Federico
Castro y publicaciones que constituyan el acervo dancístico de nuestra cultura.]]>
Hasta la fecha, y sin que se haya interrumpido ningún año, continúa esta tradición y nuevamente, en esta Navidad, miles de queretanos y visitantes verán desfilar los Carros Bíblicos que, entre sus 23 temas literarios y musicalizados, selecciona para este año de 1990 “EL PARAISO”, “LA ESCALA DE JACOB", “EL BECERRO DE ORO". “EL JUICIO DE SALOMON”, “EL FESTIN DE BALTAZAR”, “LA ANUNCIACION A MARIA”, “LA POSADA”, “EL NACIMIENTO O PORTAL DE BELEN”, Y “LA CABAÑA".

Los tiempos cambian, las mulas se truecan en tractores, los mecheros de petróleo en plantas de luz eléctrica; pero el centenario mensaje es siempre el mismo: “PAZ EN LA TIERRA A LOS HOMBRES DE BUENA VOLUNTAD”.

Prof. Luis OIvera Montaño]]> ]]> García/Teresa Bordons Gangas/Ma. Teresa García Besné/José Antonio Arvizu Valencia/Roberto González García/Gabriel Horner García/Kayané Narinián Valenzuela/Alejandro Ortíz Bullegoyri/Mirtha L. Urbina Villagómez]]> “Distance” and its applications in the scene in the B. Brecht’s theory of epic
theater, complementing it with the theory of another Russian theoretician,
Meyerhold, with which he shared some ideas of this new way to make theater,
in a revolutionary context in both countries (Russia and Germany). Brecht
fought against the become stiff theater of the time, integrating the techniques
that Meyerhold left the new generations of theatermakers: “Biomechanics”. Will
be the way to converge different tendencies and theater theories from last
three centuries in a single one, as bases of the construction of the personages.
For it the different theoretical expositions from Stanislavski and the mentioned
Meyerhold will study, along with other so many that will be only taken like
reference: Barba, Brook, Piscator, Reinhardt, among others. One will make
reference to the social contributions and studies of Marx, Benjamin, Adorno and
XXth. century important studious. All of them influenced to Bertolt Brecht:
principal study object, that already in century XX, would develop to everything a
study about the modern theater and the expositions to make it, to this called
“epic theater”. A study will become of the total actor; in addition a conscious
actor of his scenic surroundings will go deep as well in the application of the
basic tools of construction of personages to the way of an epic actor, showing to
the devices on which he must count not to lose itself in a feelings’ ocean, doing
of him and creating a conscious spectator of which it is the nature of the theater.
The study of this type of theater is the main subject in the present work, and the
medular part of all the theories raised here converges in onlyone way or other in
exposed by Brecht, raising the “basic Tools for the construction of personages
in the context of the Bertolt Brecht’s epic theater”.]]> brechtiano”, el “Distanciamiento” y sus aplicaciones en la escena de la teoría
del teatro épico de Bertolt Brecht, complementándolo con la teoría de otro
teórico ruso, Meyerhold, con el cual compartió algunas ideas de esta nueva
manera de hacer teatro, en un contexto revolucionario en ambos países (Rusia
y Alemania). Brecht luchó contra el teatro acartonado de la época, integrando
las técnicas que Meyerhold dejó a las nuevas generaciones de teatristas: “La
biomecánica”. Se mostrará la manera de converger distintas tendencias y
teorías teatrales de los últimos tres siglos en una sola, como base de la
construcción de los personajes. Para ello se estudiarán los distintos
planteamientos teóricos de Stanislavski y el mencionado Meyerhold, junto con
otros tantos que sólo se tomarán como referencia: Barba, Brook, Piscator,
Reinhardt, entre otros. Se hará referencia a los aportes sociales y estudios de
Marx, Benjamin, Adorno e importantes estudiosos del siglo XX. Todos ellos
influenciaron a Bertolt Brecht: objeto del estudio en sí, quien ya en el siglo XX,
desarrollaría todo un estudio acerca del teatro moderno y los planteamientos
para realizarlo, a esto lo llamó “Teatro épico”. Se hará un estudio del actor total;
además se ahondará en la aplicación de las herramientas básicas de
construcción de personajes a la manera de un actor épico, mostrando los
artilugios con los que debe contar para no perderse en un mar de sentimientos,
haciendo de él un actor consciente de su entorno escénico y creando a su vez
un espectador consciente de lo que es la naturaleza del teatro. El estudio de
este tipo de teatro es el tema principal en el presente trabajo, y la parte medular
de todas las teorías aquí planteadas convergen de una manera u otra en lo
expuesto por Brecht, planteando las “Herramientas básicas para la
construcción de personajes en el contexto del teatro épico de Bertolt Brecht”.]]> Esta rama comenzó alrededor de 1940 cuando los diseñadores y artistas gráficos decidieron incursionar en un soporte audiovisual realizando en un inicio experimentaciones artísticas de ritmo, forma y color para posteriormente producir los primeros créditos de películas.
Posteriormente las compañías televisoras existentes en los 50's decidieron implementar en su identidad gráfica animaciones de sus logotipos, las cuales provocarían una explosión en la industria hasta nuestra actualidad.
Los motion graphics utilizan elementos básicos del diseño gráfico y su retórica, como la composición de formas geométricas, línea, punto, color, tipografía, entre otros; por lo que está altamente relacionada la disciplina con las bases de dicha área. Entre los elementos que proponen una novedad en cuanto conocimientos técnicos se encuentran los conceptos de tiempo, ritmo, musicalización y encuadre, los cuales son esenciales para la composición de producciones audiovisuales que comuniquen de manera efectiva un mensaje y que principalmente atraiga la atención del receptor. Cuando un motion graphic implica un conocimiento de diseño pasa a conocerse como motion design o diseño gráfico en movimiento.
A la fecha la educación superior en nuestro país carece de cursos de motion graphics lo que imposibilita no solo al diseñador gráfico sino a otros estudiantes el poder especializarse en este ramo si no es de manera autodidacta provocando una ausencia incluso de difusión de dicha área como posibilidad de aprendizaje académico oficial para el estudiante.
En la ciudad de México se entrevistaron a diversos profesionistas reconocidos a nivel nacional e internacional quienes en efecto han coincidido en esta hipótesis y quienes igualmente en su mayoría son estudiantes de diseño gráfico que se
vieron interesados por sus propios medios en averiguar y estudiar este ramo para desarrollarse.
Todos ellos estuvieron de acuerdo en que el diseñador gráfico está ampliamente relacionado con dichos conocimientos y que sus bases le permiten desarrollar productos de mayor calidad por lo que su implementación de estos estudios beneficiará la industria a nivel nacional.]]> for the Development of Cuban Ballet as aesthetic of plurality". lt's main goal is to
demonstrate through a historical and descriptive research the importance of
Diaghilev Russian Ballets for the integration of different artistic features in the
development of Cuban Ballet School. In Chapter 1 a general historical description,
of the background is made, paying special attention to Romanticism. In Chapter 11
is presented the particular historie vision of the Diaghilev Russian Ballet, its role as
well as the integration of Mijail Fokin for his important contributions to
choreography. In Chapter 111 is presented a historical vision in which is integrated
the plurality for the conception of Ballet Art. In this Chapter in particular is where
the work will deal with a concept of integration of plurality which is related to the
participation of the plastics arts for the construction of the image as an artistic
element related to ballet. In Chapter IV is presented a historical vision of a
particular fact which has to do with the conformation of the Cuban Ballet School. In
this Chapter the concept of Ballet School to defined, the description of the historical
formation of the Antique Russian School and the importance that it had for the
emergence of the Cuban Ballet School and it's technical caracteristics. In the last
Chapter the specific tapie is the influence of the Russian Ballet in the Cuban Ballet
School, as well as the influence of Nijinski as the main dancer of this company and
other important figures. In the conclusions is a presented the reasons why it can be
considered that there are artistic elements based on the plurality of the cultures to
conceive the Art of Ballet as an autonomus and universal art. ]]> In what way does the theatrical stage process, the acting process, have the actor as the best person? To have an approach to the study of being an actor, as a person, not with the intention of defining it, a brief historical review will be made of the way it has been seen in modern times from the perception of various theater theorists, directors and playwrights... Starting from the fundamental notion of the person as psychophysical and conscious, the concept of actor is studied from a triple perspective: its physical conditioning; his psychological preparation; and its growth in terms of being creative, free and social, starting point and arrival of its own activity.
To ground the reflection, the contributions of some of the theorists of the theater who have made the specific proposals in these areas are considered; Konstantin Stanislavki (1863-1938); Bertold Brech (1898-1956); Jerzy Grotowski (1933-1999); Eugenio Barba (1936-) among others.
This research aims to identify, ponder and integrate the coincidences and differences of the theoreticians in relation to their interpretations of being the actor himself, you can also indicate the point of view or formal aspect from which the object of study is contemplated: the improvement of the actor in the maturation process of his fundamental condition of person and theater in particular; It requires a process of self-awareness and self-discovery that promotes and facilitates an advance in the conformation of one's personality.
This process has a personal effect, a personal language through self-discovery, there is no way to achieve personal improvement, the ability to make decisions to modify our behavior. these actions do not generate any change if they are not assimilated as part of the total of life experiences.
The artistic activity has a better person and an interpreter in the individual, helping to understand multiple aesthetic, social and psychological processes that broaden the spectrum of their own perspective of the work and the work of art thus achieving the scenic process as a factor of improvement in Personalization of the actor.]]> ¿De qué manera el proceso escénico teatral, el proceso actoral, hace al actor mejor persona? Para aproximarnos al estudio de ser del actor, considerado como persona, noción que habremos de definir, se hará una breve reseña histórica de la manera como ha sido contemplado en los tiempos modernos desde la percepción de varios teóricos del teatro, directores y dramaturgos.
A partir de la noción fundamental de persona como ente psicofísico y consiente, se estudiará el concepto de actor desde una triple perspectiva: su acondicionamiento físico; su preparación psicológica; y su crecimiento en cuanto a ser creativo, libre y social, punto de partida y de llegada de su propia actividad.
Para aterrizar la reflexión, se considerarán las aportaciones de algunos d los teóricos del teatro que han hecho propuestas específicas en esos ámbitos; Konstantín Stanislavki (1863-1938); Bertold Brech (1898-1956); Jerzy Grotowski (1933-1999); Eugenio Barba (1936- ) entre otros.
Esta investigación pretende identificar, ponderar e integrar las coincidencias y las diferencias de los teóricos en relación a sus interpretaciones del ser propio del actor, también se especifica el punto de vista o aspecto formal desde el cual es contemplado el objeto de estudio: la mejora del actor en el proceso de maduración de su condición fundamental de persona y el teatro en particular; requieren de un proceso de autoconciencia y autodescubrimiento que promueven y facilitan un avance en la conformación de la propia personalidad.
Este proceso potencializa un mecanismo personal del lenguaje a través del autodescubrimiento, no hay manera de lograr una mejora personal sin la capacidad de tomar decisiones para modificar nuestra conducta permitiendo que las acciones de vida conformen nuestra personalidad, fortaleciendo el carácter; estas acciones no generan ningún cambio si no son asimiladas como parte del total de experiencias vitales.
La actividad artística hace mejor persona e intérprete al individuo, ayudándole a entender múltiples procesos estéticos, sociales y psicológicos que amplían el espectro de su propia perspectiva de lo bello y de la obra de arte logrando así el proceso escénico teatral como factor de mejora en la personalización del actor.]]> Señala también cuáles fueron sus estudios y habla igualmente de los compositores de quienes con toda seguridad recibió y asimiló sus enseñanzas, y de los dos períodos creativos que tuvo, en que nacieron sus obras de salón, de concierto y religiosas, que son los aspectos en que se diversifica su creación musical.
Todo ello cuidadosamente analizado en su forma y procedimientos, según los modelos que siguió de los compositores universales consagrados que fueron su ejemplo: Beethoven, Mendelssohn, Bruckner, etc.
En cuanto al modo de armonización que utilizó, en realidad enteramente tradicional y sin atisbos de búsqueda armónica novedosa, aunque fuera ya en una época en que otros compositores mexicanos la empleaban sin temor, creo que se puede achacar en parte a no haber sido formado institucionalmente en escuela especializada en que pudiera darse ese debate o, simplemente a que él así se sentía cómodo y satisfecho, sin menoscabo del propio concepto de belleza que haya podido alcanzar y que nosotros ahora al ejecutar o escuchar su obra podamos captar.
En la Liga de Compositores de México se tomó un acuerdo entre todos los integrantes de la misma para la programación de conciertos y edición de las obras de todos, que se permitiera a cada autor conservar su estilo e individualidad, sin tratar de obligar a ninguno a seguir una línea determinada.
Pienso que este libro podrá entusiasmar a otros investigadores a encontrar similares creadores y artistas mexicanos que aún permanecen ocultos y desconocidos y cuyo valor artístico sea digno de mejor suerte, como es, sin duda, el valor que tiene la obra de Fernando Loyola .
Creo que este libro será como punta de lanza para que haya otros semejantes y tan completos como lo es éste.]]> aparece editada en 1658, misma que realiza durante su estancia en
Hungría. A partir de los registros de la historia de la pedagogía el OSP es
el primer libro de Texto ilustrado, fungiendo así como modelo de posteriores
textos escolares hasta la actualidad.

La noción de ícono ha retomado, recientemente, mucha fuerza en las reflexiones
acerca de la imagen visual. Puede ser clave para la interpretación
de las artes. La disciplina filosófica que se ocupa, normalmente, de
las artes como su objeto, es la Estética, pero como filosofía del arte. Ésta
se ha encargado de estudiar las artes, pero lo ha hecho oscilando entre
dos extremos, el univocista y equivocista, o ha prescrito lo que deben
ser las artes y hacer los artistas o sólo ha descrito lo que son las artes
y lo que hacen los artistas.

La iconografía como descripción de imágenes encuentra su génesis en la
hagiografía, es una descripción mítica de la vida y obra de los personajes
para derivarla en representaciones simbólicas, de carácter ascensional,
referentes del culto y programación cuasi política de la personalidad del
individuo en cuestión.
Sobre Fray Antonio Margil de Jesús, hombre ligado a las tierras de América,
se desarrolló en vida y luego de su muerte un culto emergente a
su personalidad, consistente en retratos hablados, retratos grabados y
retratos pintados para el uso de adeptos y como parte de un programa
iconográfico que pugnó primero desde América y luego desde Europa por
el proceso de reconocimiento canónico de su vida de virtudes. Se presenta
una aproximación al desarrollo iconográfico de su figura.
La interacción, es un término que se refiere a la relación entre el ser humano
y la máquina a través de una interfaz; significa diseñar productos
para apoyar la forma en que la gente se comunica e interactúa en su
vida cotidiana y su trabajo. En el contexto de la interacción hombre-computadora
(IHC), la interfaz posibilita a una persona interrelacionarse con
cualquier dispositivo.

El cuerpo, es una funda orgánica y caduca, referente inmediato de nuestra
existencia, un código visual y universal explotado a lo largo de la historia.
El hombre en un afán de permanencia busca más allá de su propia carne
habitar el mundo espiritual, porque finalmente el alma es imperecedera.
El arte ha buscado darle sentido estético, a éste contenedor físico. Los referentes
clásicos de la figura humana impuestos por las culturas grecorromanas,
hacen que en el arte contemporáneo se busquen formas alternas
de sublimidad, el artista recurre a mutilar su propio cuerpo sacrificando
parte de su estética en esta búsqueda de critica y reflexión.

Gobernar, Educar y Analizar. Tres profesiones imposibles de las que
hablaba Sigmund Freud, a las que una lectura del psicoanálisis de
Jacques Lacan pareciera agregar la de hacer Desear, y que ahora, este
intento fundado en una experiencia aparentemente indolente, tendiente
a denominarse comercialmente como perversa, propone sumar otro arte
también todavía controversial: el Suicidio.
Tratarlo como profesión -y arte-, en tanto insistente repetición cuasi disciplinada,
es lo que intentan estas breves páginas desprendiéndole momentáneamente
del mero espacio político (que en general da importancia
sólo cuando se ocupan realidades o problemas absolutos o radicales).
Abordarlo en tanto modos esticos1 que nos sumerjan, literalmente, en
mares de estudio acerca de sus relaciones, acciones y procesos.]]>