coincide con la de los receptores del producto. Se trata de un significado
convencional. El segundo es el modo figurativo tipográfico. Es un significado
añadido que el receptor extrae del tipo de letra, es decir, la forma de combinar las
letras crean una sensación en el consumidor; de esta manera se logrará que se
convencionalice y se posicione en la mente del público. El color es el medio más
valioso para que una obra transmita las mismas sensaciones que el artista
experimentó frente a la escena. Un logotipo es una imagen constituida de ícono y
tipografía que tiene la función principal de representar a una compañía. Los
colores que dan vida a los logos quedan tan asociados a una marca que la imagen
no se puede pensar de otra manera que la habitual. Y es por eso que las
compañías se someten a largos procesos de investigación y búsqueda de
consenso, aunque finalmente se cambian las formas y tipografías, pero pocas
veces los colores.]]> effect on the creative process during the study or the scenic interpretation, must
be approached from a multidisciplinary platform consisting of various categories
of analysis and its theories, since precisely the lack of connection between all the
aspects either influencing or contributing during such process has led to the
inconsistency of the body-sonorous message in many cases, in addition to the
possible consequences on the health of the interpreter. Most of this lack of body
awareness is because the teaching-learning process has been limited to the
repetition of general models inherited without taking into consideration physical
aspects so essential as anatomy and health care, which can produce physical
and psychological injuries by excessive loads of work. Music requires the passing
of time and this involves movement. Emphasizing on the importance of the body
as an instrument and vital agent during the creative process and the intersection
with the imaginary, as well as comprehensive knowledge in the biological,
emotional, mental, spiritual and social, contribute to the expression of being.
Corporality, unifying reason for this proposal, aims at providing the musician with
elements for the recovery of his/her consciousness as to be integral and scenic
artist with creative expression itself beyond the simple repetition of notes. Here,
unlearning and improvisation as a way of auto re-acquaintance taking elements
of dance as corporal expression or dance therapy are proposed, in order to
articulate the free flow from the inside and up to the sound production. It also
proposes considering the choreographic aspect in the proper design of fingering
and consequent instrumental execution that encourages their development and
performance for their art. Thus, disciplines such as ethics education, musical
pedagogy, sociology, psychology, the health sciences, communication and
dance, provide elements to address this issue through its theorists: Dalcroze and
Willems, Schinca, Stokoe and Schachter, Llobet and Fabregas, Lowen,
Johansson, Gardner, Bourdieu, Reca and Fux, among others.]]> su imagen, así como su efecto en el proceso creativo durante el estudio o la
interpretación escénica, debe abordarse desde una plataforma multidisciplinaria
integrada por diversas categorías de análisis y sus teorías, ya que precisamente
la falta de articulación entre todos los aspectos que influyen o contribuyen durante
dicho proceso, ha llevado en muchos casos a la incongruencia del mensaje
sonoro-corporal, además de las posibles consecuencias en la salud del
intérprete. Gran parte de esta ausencia de conciencia corporal, se debe a que el
proceso enseñanza-aprendizaje se ha limitado a la repetición de modelos
generales heredados sin considerar aspectos en lo físico tan esenciales como la
anatomía y el cuidado de la salud, que por excesos de carga de trabajo puede
producir lesiones físicas y psicológicas. La música requiere del paso del tiempo
y ello implica movimiento. Hacer énfasis sobre la importancia del cuerpo como
instrumento y agente vital durante el proceso creativo y la intersección con el
imaginario, así como el conocimiento integral en lo biológico, emocional, mental,
espiritual y social, aporta en la expresión del ser. La corporalidad, motivo
unificador de esta propuesta, pretende aportar al músico elementos para la
recuperación de su conciencia como ser integral y artista escénico con expresión
creativa propia más allá de la simple repetición de notas. Aquí se proponen el
desaprendizaje y la improvisación como vías de auto re-conocimiento tomando
elementos de la danza como la expresión corporal o de la danzaterapia, para
articular el libre flujo desde su interior y hasta la producción sonora. También
propone lo coreográfico en el adecuado diseño de la digitación y consecuente
ejecución instrumental que favorezca su desarrollo y desempeño en pro de su
arte. De esta manera, disciplinas como ética de la educación, la pedagogía
musical, la sociología, la psicología, las ciencias de la salud, la comunicación y
danza, aportan elementos para abordar esta problemática, a través de sus
teóricos: Dalcroze y Willems, Schinca, Stokoe y Schächter, Llobet y Fábregas,
Lowen, Johansson, Gardner, Bourdieu, Reca y Fux, entre otros.]]>
gastronomy is found not only the stories of the three disciplines are exciting, but from old relationships have saved abundant. In the cave paintings religious sense combined with the artistic and gastronomic. The still lifes, avant la lettre, Egypt, Greece and Rome, as well as spiritual appeal to your viewers do recall eating habits and customs of these peoples. The city life was portrayed in Dutch still lifes of markets and butchers. They not only educated on humanism, taught also to serve the table. The Spanish word used to name these paintings, still life, remember the cellar or pantry, instead of gathering food. Two special cases are that of Leonardo da Vinci and Gioacchino Rossini, both artists and both interested in the kitchen. The twentieth century is full of artists who use the kitchen and food to make art: Daniel Spoerri, Alison Knowles, Martha Minujín and Rirkrit Tiravanija. The proposal of this thesis is theoretical and documentary. The issue is the possible alliances, dialogical suggested, between art, cuisine and gastronomy. I argue that the cuisine and gastronomy are not art, but interact and engage in dialogue. It raises the question if only from different disciplines, but influence. This influence was documented and critically, with its difficulties, by Alfonso Reyes, to name a case.]]> A través de la historia, el repertorio musical para el pianista profesional se ha incrementado y evolucionado a la par de la dificultad técnica requerida para que las obras puedan interpretarse en las diversas salas de conciertos de todo el mundo. Debido a la alta exigencia física y mental que demandan las múltiples obras escritas para el piano, es necesario que el cuerpo se encuentre en condiciones adecuadas para soportar las cargas de trabajo, esto con el fin de evitar lesiones comunes derivadas de la desinformación acerca del cuidado de la salud y la consciencia corporal que comprometan carrera del pianista.
Por medio de la investigación documental, el presente trabajo expone la manera en que diversos factores extra musicales intervienen en el momento de ejecutar el piano. En este caso, las extremidades superiores e inferiores utilizadas para accionar los mecanismos del piano y los músculos que las integran, su anatomía, biomecánica, lesiones y tratamiento.
La rutina de estudio o práctica para el músico es vital, y tal preparación se ve reflejada en la técnica empleada ante la actuación pública. Dicha rutina debe encaminarse hacia la preservación de la técnica y la condición física; para lograrlo, el pianista debe conocer los ejercicios que pueden ser utilizados ya sea, antes de sentarse a tocar y con el objetivo de preparar los músculos para su utilización, o bien, conocer ejercicios para su realización en el piano.
Acerca de este último punto se propone el análisis descriptivo de tres métodos reconocidos para el piano “School of Velocity” de Carl Czerny, “Hanon: el pianista virtuoso en 60 ejercicios” de Charles Louis Hanon y “Mikrokosmos: 153 piezas progresivas para piano” de Béla Bartók, análisis realizado con el fin de que el ejecutante del piano pueda identificar un método que cubra (en mayor medida o en su totalidad) las necesidades técnicas que requiera, así como mantenerse musicalmente en forma, o si se es estudiante, que promueva la evolución técnica orientada hacia la superación y mayor comprensión del lenguaje musical universal.
Como último punto, la presente tesis propone una rutina de acuerdo a las necesidades técnicas y a la cantidad de tiempo que se desee emplear en el instrumento, con el fin de que el pianista pueda realizar sus actividades musicales y que a la larga el músico encuentre aquellos hábitos que, además de prevenir lesiones y promover el bienestar físico, se consoliden en una disciplina particular para toda la carrera musical del intérprete.]]> visuality. The main objective is the theoretical work of Michel Foucault. That is, from the location of the three strands of thought and work of French author, is intended to track certain points or coordinates from which is possible to construct a map of the visible. Why not start with a historical analysis "archeology" of knowledge and power and its relationship with the visible? This proposal, by way of a History of the Western image of Regis Debray, recognizes the need for a critical approach to contemporary visual art, a situation that in this work is sought primarily from Foucault theoretical platform. Thus, it is critical to generate a sense of belonging, through a visual evolution, we projected from disciplinary societies to control societies (Gilles Deleuze). Therefore, the map which aims to build on this work, part of an archaeological platform (Foucault), from which can emerge in particular sight lines and their crosses with knowledge, with power and with the subject. That is, through knowledge, power and the subject, as the three axes that structure the work of Foucault and the axes of the map, this proposal places the problem of visibility as sociocultural construction, as a paradigm of visuality. Foucault's theoretical proposal, specified here as an archeology of visuality. Therefore, the theoretical framework is composed of historic elements discharging elements of analysis on socio-cultural construction of visuality (visual knowledge, visual practice), for, from this, incorporate a critical reading of the way Gilles Deleuze. In this sense, Foucault's thought provides both the theoretical and historical framework of a moving map as figuration, to try to modulate it, build it, rebuild it and approach the relationship between art and society from a critical conceptual platform. From a floating, mobile, mapping would be one of "the positive and multiple" one of the difference. Whereas the productive is not sedentary but nomadic, modulation refers to the syntagma as chaining multiple, diverse and singular.]]> definition of the circumstances in which we live, with the purpose of giving answers
to the scene of contemporary life. Globalization, upper stage inevitable of
capitalism, gives rise to the preferential market, imposes through mediated
communication a new culture in which the main character is leading the goods and
where the artistic production is subjected to its laws. The postmodern subject must
now be worried about seeking enough alternatives to understand their environment
and transform it without getting prior to their own destruction. The purpose of this
investigation is to know the confluence of the different educational agents in the
arts area, in the process of formation of aesthetic values in children from the
courses of Initiation Musical of the FBA. This study is to reach exploratory reason
with a not experimental design, in which a non probabilistic sample was opted. The
subject type elected are individuals with ten or eleven years old: sample (a) had
studied in the courses of Musical Initiation of the FBA by more than five years and
sample(b) of new income to these courses and to give any, little or no musical
experience in another institution. A semistructured interview protocol based on the
clinical method was applied, from this two categories of study were identified the
artistic and successful. The results showed that students who have approached the
study of art in a systematic way and disciplinary have deeper reflection on the
recognition of aesthetic values, with statistical differences up to fifty percent, in
opposition to those who have not completed these studies and their referents are
mostly related to market values. The idealists principles of artistic education and/or
musical, that in its time were developed by Schiller, or Vico, holded on humanist
ideals, they should not be abandoned by today´s man, in foreground it is necessary
resume balance in this reality of prevail of technological assets and business.]]> circunstancias en que se vive, con el propósito de dar respuestas al escenario de
la vida contemporánea. La globalización, etapa superior inevitable del capitalismo,
da lugar preferente al mercado, impone a través de la comunicación mediatizada
una nueva cultura en que el personaje protagónico es la mercancía y en donde la
producción artística se ve sometida a sus leyes. El sujeto posmoderno debe ahora
preocuparse por buscar alternativas que le alcancen para entender su entorno y
transformarlo sin llegar antes a su propia destrucción. El propósito de esta
investigación es conocer la confluencia de los diferentes agentes educativos en
materia artística, en el proceso de formación de valores estéticos en los niños de
los cursos de Iniciación Musical de la FBA. Esta investigación es de alcance
exploratorio con un diseño no experimental, en que se optó por una muestra no
probalística. Los sujetos tipo elegidos son individuos de diez u once años de edad
que: a) hubiesen estudiado en los cursos de Iniciación Musical de la FBA por más
de cinco años y b) de nuevo ingreso a estos cursos y que manifestasen alguna,
poca o ninguna experiencia al respecto en otra institución. Se aplicó una entrevista
semiestructurada basada en el protocolo del método clínico, en que se
determinaron dos categorías de estudio: lo artístico y lo exitoso. Los resultados
demostraron que los estudiantes que han abordado el estudio artístico en forma
sistematizada y disciplinaria poseen mayor profundidad de reflexión en el
reconocimiento de valores estéticos, con diferencias estadísticas de hasta un
cincuenta por ciento, en oposición de quienes no han realizado estos estudios y
sus referentes están mayormente relacionados con los valores del mercado. Los
principios idealistas de la educación artística y/o musical, que en su momento
fueran desarrollados por Schiller, o Vico, sostenidos por ideales humanistas, no
debieran ser abandonados por el hombre de actualidad, antes bien es menester
retomar equilibrio en esta realidad de prevalecencia de los bienes tecnológicos y
mercantiles.]]> “Distance” and its applications in the scene in the B. Brecht’s theory of epic
theater, complementing it with the theory of another Russian theoretician,
Meyerhold, with which he shared some ideas of this new way to make theater,
in a revolutionary context in both countries (Russia and Germany). Brecht
fought against the become stiff theater of the time, integrating the techniques
that Meyerhold left the new generations of theatermakers: “Biomechanics”. Will
be the way to converge different tendencies and theater theories from last
three centuries in a single one, as bases of the construction of the personages.
For it the different theoretical expositions from Stanislavski and the mentioned
Meyerhold will study, along with other so many that will be only taken like
reference: Barba, Brook, Piscator, Reinhardt, among others. One will make
reference to the social contributions and studies of Marx, Benjamin, Adorno and
XXth. century important studious. All of them influenced to Bertolt Brecht:
principal study object, that already in century XX, would develop to everything a
study about the modern theater and the expositions to make it, to this called
“epic theater”. A study will become of the total actor; in addition a conscious
actor of his scenic surroundings will go deep as well in the application of the
basic tools of construction of personages to the way of an epic actor, showing to
the devices on which he must count not to lose itself in a feelings’ ocean, doing
of him and creating a conscious spectator of which it is the nature of the theater.
The study of this type of theater is the main subject in the present work, and the
medular part of all the theories raised here converges in onlyone way or other in
exposed by Brecht, raising the “basic Tools for the construction of personages
in the context of the Bertolt Brecht’s epic theater”.]]> brechtiano”, el “Distanciamiento” y sus aplicaciones en la escena de la teoría
del teatro épico de Bertolt Brecht, complementándolo con la teoría de otro
teórico ruso, Meyerhold, con el cual compartió algunas ideas de esta nueva
manera de hacer teatro, en un contexto revolucionario en ambos países (Rusia
y Alemania). Brecht luchó contra el teatro acartonado de la época, integrando
las técnicas que Meyerhold dejó a las nuevas generaciones de teatristas: “La
biomecánica”. Se mostrará la manera de converger distintas tendencias y
teorías teatrales de los últimos tres siglos en una sola, como base de la
construcción de los personajes. Para ello se estudiarán los distintos
planteamientos teóricos de Stanislavski y el mencionado Meyerhold, junto con
otros tantos que sólo se tomarán como referencia: Barba, Brook, Piscator,
Reinhardt, entre otros. Se hará referencia a los aportes sociales y estudios de
Marx, Benjamin, Adorno e importantes estudiosos del siglo XX. Todos ellos
influenciaron a Bertolt Brecht: objeto del estudio en sí, quien ya en el siglo XX,
desarrollaría todo un estudio acerca del teatro moderno y los planteamientos
para realizarlo, a esto lo llamó “Teatro épico”. Se hará un estudio del actor total;
además se ahondará en la aplicación de las herramientas básicas de
construcción de personajes a la manera de un actor épico, mostrando los
artilugios con los que debe contar para no perderse en un mar de sentimientos,
haciendo de él un actor consciente de su entorno escénico y creando a su vez
un espectador consciente de lo que es la naturaleza del teatro. El estudio de
este tipo de teatro es el tema principal en el presente trabajo, y la parte medular
de todas las teorías aquí planteadas convergen de una manera u otra en lo
expuesto por Brecht, planteando las “Herramientas básicas para la
construcción de personajes en el contexto del teatro épico de Bertolt Brecht”.]]> Abstratc metal con el propósito de representar los parámetros gráficos del Art
nouveau para reutilizar su filosofía de vida como se propuso hace 100 años.

Finalmente para cumplir con los objetivos se hace la publicación de Zenzor nuclear en internet para realizar una aportación al mundo digital y que las ilustraciones generadas a través de este trabajo formen parte de la nutrición de las vanguardias gráficas que están definiendo la historia artística gráfica.]]> Artaud was rather an art visionary than a foolish person, like he was unfairly
classified by most of his contemporary social environment. By means of
studying his writings and using the results of other researchers’ analysis, this
work clarifies his theories about the confusion of the culture, the concept of
society sickens, the speech of the abyect art, the language of the art, the
demanding art of the cruelty and the duality that they are up to date in
contemporary art analysis. Also, this paper aims to demonstrate that his
apparent extravagance is determined by his views and perceptions on art, his
intentions to change art formalities and his poetic expressions, which are highly
emphasized by his sensibility, sense of contemplation and philosophy of art and
life.]]> Antonin Artaud fue la de un visionario del arte y no el de un demente como le
fue injustamente determinado por la sociedad de su lugar y su época. Por
medio de sus propios escritos y por el análisis de otros investigadores se
propone aclarar que sus teorías sobre la confusión de la cultura, la sociedad
enferma, el discurso de lo abyecto, el lenguaje del arte, lo exigente de la
crueldad y la alteridad son vigentes en la concepción del arte contemporáneo.
Mostrar que su aparente extravagancia se debía a la forma de percepción que
él había logrado ver del arte, su intención de cambiar las formalidades del arte
se expresaban en cargas poéticas altamente enfatizadas por su sensibilidad, la
contemplación y su filosofía del arte y de la vida. ]]> fotográfica Drop Dead Gorgeous de Daniela Edburg.]]> disappearance. Art has touched and merged its borders with those of other
disciplines. Art has been gobbled up by art, and in that vortex, as though it were
a black hole, it has incorporated in its center the culture of the masses,
consumption, supply, the street, the universe of the logotype and the copyright;
publicity. This study is an approach to the orgiastic process that contemporary
art has had with these disciplines through one of its most seductive
expressions: a sense of humor. AII from the perspective of one of the multiple
manifestatíons of art at thís specific moment: the work of Daniela Edburg,
partícularly in her photographic series "Drop Dead Gorgeous." In thís series,
Edburg incorporates in the artistic space cookies, delicacies and household
appliances, among other objects of everyday use, as homicidal instruments of
models that simulate a glamorous death. As if that were not enough, she
establishes "Drop Dead Gorgeous," as a playful exercise which parodies the
works of other artists such as Ingres, Whistler or Hitchcock, as well as pop
esthetics arising from publicity and magazines, thus creating an artistic
discourse that functions both independently and with its inter-textual precedent.
In order to approach Edburg's work, a theoretical framework having three
fundamental ideas was prepared: the seduction of Jean Baudrillard, Bergson's
sense of humor and Hutcheon's parody. T~lis was to find whether or not sense
of humor has adjoining lines with seduction and if it can then be used to seduce.
In addition to the theoretical framework, the study also included two personal
interviews with the author to hear in her own words how she defines her work
and find out the "behind the cameras" of each of her images. Thus, this study is
a trans-disciplinary theoretical transgression regarding a phenomenon that is
equally trans-disciplinary in the search for a theoretical up-dating of the artistic
vanguard.]]> desaparición. El arte ha tocado y fundido sus bordes con los de otras disciplinas,
sobre las propias; el arte ha sido engullido por el arte, y en esa vorágine, como si
fuese un hoyo negro, ha llevado a su centro la cultura de masas, al consumo, la
oferta, la calle, el universo del logotipo y el copyright; la publicidad. Esta
investigación es un acercamiento al proceso orgiástico que ha tenido el arte
contemporáneo con esas disciplinas a través de una de sus expresiones más
seductoras: el sentido del humor. Todo, desde la perspectiva de una de las
múltiples manifestaciones de este momento específico del arte: la obra de Daniela
Edburg, particularmente con su serie fotográfica “Drop Dead Gorgeous”. Ésta es
una serie en donde Edburg incorpora al espacio artístico galletas, golosinas,
electrodomésticos, entre otros objetos de uso cotidiano, como instrumentos
homicidas de modelos que simulan una muerte glamorosa. No suficiente con ello,
“Drop Dead Gorgeous”, tal como ella lo establece, es un ejercicio lúdico que
parodia algunas obras de otros artistas como el caso de Ingres, Whistler o
Hitchcock, así como la estética pop proveniente de la publicidad y las revistas,
generando un discurso artístico que lo mismo funciona de manera independiente
que con su precedente intertextual. Para poder acercarse a la obra de Edburg se
construyó este marco teórico desde tres ejes: la seducción de Jean Baudrillard, el
sentido del humor con Bergson y la parodia desde Hutcheon, para demostrar si el
sentido del humor tiene líneas de colindancia con la seducción y si entonces
puede funcionar para seducir. Además del marco teórico, el trabajo de
investigación también contó con dos entrevistas presenciales con la autora, para
escuchar de viva voz la manera en que ella define su trabajo y conocer el “detrás
de cámaras” de cada una de sus imágenes. Es así como esta investigación es una
transgresión teórica transdisciplinaria para un fenómeno igualmente
transdisciplinario en búsqueda de una actualización teórica a la vanguardia
artística.]]> historia del arte: ‘el asesinato de la pintura’;1 él mismo declaró que tenía ganas de
cometer tal atentado, aunque no se tratara de muerte, sino del cierre de un ciclo
gracias al cual se originarían nuevas disciplinas artísticas. Muerte debido a la
necesidad de traducir no sólo a lienzos, experimentar con todo lo que está a
nuestro alcance, un cambio, reencuentro quizá.]]> the 21" century. Semiotics of dramatic text. Oramaturgy of Barbara Colio.
Comparative semiotic analysis of the plays: "La habitación· and "Pequeñas
certezas•. lnvestigation is documentary and is based on bibliographic and
newspaper material. Proposals from Armando Partida Tayzan, related to Mexican
theater and Benito Cañada Rangel related lo semiotics aspects and theater
semiology will be stressed. A brief outline on Mexican dramaturgy from 1950 to
2000 will be presented with the aim of explaining a panoramic view of the change
in thinking, thematic and types of writing in the second hall of 21" century. This
generation is named new dramaturgy. The most representativa dramatísts from the
first decade of 21"century will be presented, which are identified as the Dramatists
Generation and their way of writing will be known as ' Oramatism•, which brings out
the rupture with the Aristotelían structure. These dramatists state that narrative
depends on drama and dramatíc text from mimetic margins are broken. We
differéntiate between semiotics and theater semiology and explain those gins
recognized by readers and spectators. who carry social messages; signs which
universaliza under the perspective of globalization, making a difference between
Oramatism and postmodemism. Oramaturgy of Bárbara Colio is analyzed, their
transcendence, importance and legacy in the conlemporary Mexican dramaturgy.
We ratify that Colio is a representativa the Oramatists Generation and prove that
her writing is attached better to postmodernism aspects than dramatism. We
compare three theater signs shown in the plays "la habitación" and "Pequeñas
certezas": the rain, !he dog and the beach. These three signs reinforce the author's
themes: loneliness, death and desolation, reality of a globalized, postmodern and
mediatizad society. Postmodernity rather than Oramatism is the conclusion of this
analysis of "la habitación" and "Pequeñas certezas", leaving as a proposal a
reflection aboul dramatic Mexican theater and semiotic study of Bárbara Colio's
dramaturgy.]]> década siglo XXI. Semiótica del texto dramático. La dramaturgia de Bárbara Colio.
Análisis comparativo semiótico de las obras La habitación y Pequeiias certezas.
La indagación es documental y se respaldará de material bibliográfico y
hemerográfico. Se enfatizarán las propuestas de los investigadores Armando
Partida Tayzan referente al teatro mexicano y Benito Cañada Rangel en cuanto a
los aspectos de semiótica y semiología teatral. Se dará un breve bosquejo de la
dramaturgia mexicana partiendo de 1950 a 2000, con la intensión de explicar una
panorámica del cambio que se suscitó en el pensamiento, temática y formas de
escritura de la última mitad del siglo XX. Esta generación se nombrará Novísima
Dramaturgia. Se expondrá a los dramaturgos más representativos de la primera
década del siglo XXI . que se reconocerá como Generación Narratúrgica y su
fomna de escritura conocida como Narraturgia. La cual plantea la ruptura con la
estructura aristotélica. Estos dramaturgos afirman que lo narrativo se supedita a lo
dramático y se rompen los márgenes miméticos del texto dramático. Se hará una
diferenciación entre semiótica y semiología teatral. se explicarán aquellos signos
reconocidos por el lector y espectador, reiterativos de los mensajes sociales;
signos que se universalizan bajo la perspectiva de la globalización. marcando la
diferencia entre Narraturgia y Posmodernismo. Se analizarán las obras dramáticas
de Bárbara Colio, trascendencia. importancia y legado dentro de la dramaturgia
mexicana contemporánea. Se ratificara que Colio es repre$éi'ltáiite de la
Generación Narratúrgica y se comprobará que su escritura se anexa más a los
aspectos del posmodernismo y no tanto a los narratúrgicos. Se compararán tres
signos teatrales mostrados en las obras La habitación y Pequeiias certezas: la
lluvia, el perro y la playa. Estos tres signos refuerzan los temas de la autora: la
soledad. la muerte y la desolación. Realidad de una sociedad mediatizada,
posmoderna y globalizada. Posmodernidad más que Narraturgia, es lo que se
concluirá en este análisis de La habitación y Pequetias certezas. Dejando como
propuesta una re flexión del teatro mexicano narratúrgico y estudio semiótico de la
dramaturgia de Bárbara Colio.]]> Century art. Its success has resided as a resource for modern abstract
painters and as visual language of modern art pieces as well as a symbol
of modernity in art.
Even though the grid as a concept in art theory has been discussed
thoroughly by foreign art critiques and artists, it has received little
attention to acknowledge Mexican geometrism artworks. In this study, the
grid is analized throughout a selection of 20th. Century European and
American paintings, linking Rosalind Krauss ideas as she defined the grid
in her 1979 text, Grids.
A research on Mexican geometrism historical context provides
information on how this group was created, who were its members and if
they might have been influenced by European vangards. This study ends
with an analysis of the grid and how it is expressed through spatial nets
by Mexican geometrism artists, who explored its possibilities and
limitations within their visual language. ]]> plástica del siglo XX. Su éxito reside como recurso para numerosos
artistas de la abstracción moderna, como lenguaje visual de las
principales obras de arte moderno y como un emblema de modernidad
en el arte.
Aunque la retícula como concepto en teoría del arte ha sido tema de
discusión en obras de artistas extranjeros, ha recibido poca atención para
abordar la pintura de artistas del geometrismo mexicano. En este trabajo
se estudia la presencia de la retícula en una selección de obras europeas
y norteamericanas del siglo XX vinculando ideas de los textos de
Rosalind Krauss, quien la define como concepto en su ensayo Retículas
de 1979. Se presenta una investigación acerca del contexto histórico del
geometrismo mexicano y la posible influencia que este grupo recibió de
las vanguardias europeas. El estudio cierra con un análisis de la retícula
y su manifestación como redes espaciales a partir de la obra de artistas
pertenecientes al geometrismo mexicano, quienes exploraron sus
posibilidades y limitaciones dentro de su lenguaje visual.]]> between the subject and the artistic object, which in specific cases points to the
representation or allusion of social control systems. After reviewing of several texts
on Digital Art, Virtual Reality and Interactive Art, a lack of conceptualization and
theoretical reflection regarding the artistic works that represent explicitly or in a
disguised manner the control systems that exist within Interactive Art and Virtual
Reality was found. As a result, it will be enriching to propose new interpretive
focuses on these art works, finding in them the operative strategies of the system
of control and enclosure of the subject chiefly through three focuses: the first
through the abolition of distance between the subject and the work, in other works,
the subject is immersed closed within the work; the second is notion of the subject
as an implant within the work, ceasing to be only a viewer and becoming dissolved
in the work until he/she becomes and implant; finally, the third is the representation
of a work that imprisons, closes in, utilizes, manipulates and keeps guard over the
viewer, thus explicitly representing the system of social control. By using these
three aspects, this text creates a new category of art analysis and the use of new
technologies that can be enriching for Digital Art, Virtual Reality and Interactive Art
studies.]]> interesante entre el sujeto y el objeto artístico que en casos específicos apuntan a
la representación o alusión de los sistemas de control social. Después de la
revisión de varios textos sobre arte digital, Realidad Virtual y arte interactivo, se
encontró la falta de conceptualización y reflexión teórica en torno a las obras
artísticas que representan de forma explícita o disfrazada los sistemas de control
existentes dentro del arte interactivo y la Realidad Virtual. Es por esto que será
enriquecedor proponer nuevos enfoques interpretativos a estas obras de arte,
encontrando en ellas las estrategias operativas de los sistemas de control y
encierro hacia el sujeto mediante tres enfoques principalmente; el primero
mediante la abolición de la distancia entre el sujeto y la obra, es decir el sujeto
queda sumergido –encerrado- dentro de la obra, el segundo es la noción de sujeto
como injerto de la obra dejando de ser solamente el espectador y ahora
disolviéndose en la obra hasta convertirse en injerto y finalmente el tercero es la
representación de una obra que encarcela, encierra, utiliza, manipula y vigila al
espectador representando de esta manera explícitamente los sistemas de control
social. Con estas tres vertientes este texto genera una nueva categoría de análisis
del arte y el uso de nuevas tecnologías que puede resultar enriquecedor para
estudios de arte digital, Realidad Virtual y Arte Interactivo.]]> of being permanent, lasting and solid. But with the process of becoming material
(through construction), implicitly come along decay, deterioration and destruction
even if these are not acknowledged.
In contrast to what happened in some ancient cultures, where destruction
could be ritual in a cyclic conception of time, in the last century, decay meant
failure for a progress oriented society. In the same way that ancient ruins inspire
respect and admiration, contemporary ones need to be disposed fast since they
are understood as dangerous and disgusting places, and somehow are a reminder
to society of what went wrong with modernity. It seems that if destruction isn’t
spectacular, as we’ve learned from mass media, its not worthwhile. Destruction
seems to be the ultimate de-architecturalizating process (as opposed to
construction), depleting architectonic objects of their materiality. But that may not
be true, as Matta-Clark and other artists have previously demonstrated.
Through the work of different artists and the experience of the last years,
this paper aims to explore the potential of processes like destruction, un-building,
decay, among others, as alternate paths to deal with space, which is the ultimate
goal of architecture. These paths can unleash hidden potential both in material
and conceptual ways, liberating the structure, materials and space from rigid
relationships and strengthening the abstract network of concepts and ideas to
which all of these objects belong.]]> como aquel de ser permanente, duradera y sólida. Pero en el proceso de
materializarse (a través de la construcción), está implícito el deterioro y la
destrucción aunque no se les reconozca.
En contraste con lo que pasaba en algunas culturas antiguas, donde la
destrucción podía ser ritual en una concepción cíclica del tiempo, en el último
siglo, la decadencia significó el fracaso para una sociedad orientada al progreso.
Así como las ruinas antiguas inspiran respeto y admiración, las contemporáneas
deben ser eliminadas rápidamente porque se entienden como lugares peligrosos y
desagradables, y de algún modo son un recordatorio para la sociedad de aquello
que salió mal en la modernidad. Pareciera que si la destrucción no es
espectacular, como se ha aprendido de los medios de comunicación masiva, no
vale la pena. La destrucción parece ser el máximo proceso de desarquitecturalización (en contraste a la construcción), despojando a los objetos
arquitectónicos de su materialidad. Pero quizá no sea así, como el trabajo de
Matta-Clark y otros artistas lo han demostrado.
A través del trabajo de diferentes artistas y de la experiencia de los últimos
años, este texto pretende explorar el potencial de procesos como la destrucción,
des-construcción, decadencia, entre otros, como alternativas para trabajar con el
espacio, como objetivo de la arquitectura. Estas rutas pueden aportar potencial
tanto en términos materiales como conceptuales, liberando a la estructura, los
materiales y el espacio de relaciones rígidas y fortaleciendo la red de conceptos e
ideas a la cual pertenecen estos objetos.]]> violence in Mexico during the last ten years, an emergent situation for this country,
which is attached to the media problem; the other axis emerges around Teresa
Margolles´s individual artistic production in a non-linear travel until her last
exhibition presented this year in Kassel, Germany. Teresa Margolles, a Mexican
artist, started working individually since the second half of the nineties, after being
an integrant of some to group of SEMEFO, name taken from the public institution:
Forensic Medical Service (Servicio Médico Forense). In 2009, Teresa Margolles
was selected to represent Mexico for the fiftieth edition of Venice´s Biennial, the
exhibition was named: ¿De qué otra cosa podríamos hablar? (Of what other thing
can we talk about?) Exhibition conceived from the material traces of murders,
police´s reports, news, socio-political events; from concepts like power, death and
forbiddance; from real violent events, in which the artist conceives, becomes part
and builds her pieces. Morgues, and recently streets, are like a workshop, working
in the so called “war against the narco”, which has generated clandestine graves,
and the death of: policemen, soldiers, reporters, drug dealers, mothers, families,
children and thousands of young people. Teresa Margolles’s production raises a
space for reflection, for denounce facing us against a cruel spectrality. Her
exploration with death and corpses involves with the social matter, the historical
grieving process that defines the actual background that had left over thousands of
deaths in the country. So the investigation takes part from the relations between
the events, the facts and social gears, political and artistic. The study is carried out
through a rizomatical analysis, and also through the contemporary theory based
the French post-structuralism and the modern-day art.]]> tema de la violencia en México en los últimos diez años, situación emergente para
el país ligado al problema de los medios de comunicación, dentro de esta
problemática; el otro eje se da en torno a la producción artística individual de
Teresa Margolles en un recorrido no lineal en su producción hasta la última
muestra en Kassel, Alemania, en el presente año. Teresa Margolles artista
mexicana comienza a trabajar individualmente a partir de la segunda mitad de la
década de los noventa, después de ser parte del grupo SEMEFO, nombre
apropiado de la Institución pública: Servicio Médico Forense. Teresa Margolles fue
seleccionada en el año 2009 para representar a México en la quincuagésima
edición de la Bienal de Venecia, la muestra se tituló ¿De qué otra cosa podríamos
hablar?, exposición que está concebida a partir de huellas materiales de
asesinatos, reportes policíacos, noticias de prensa, sucesos socio-políticos; de
conceptos como poder, muerte, y prohibición; de acontecimientos violentos reales
en donde la artista concibe, se inserta y construye sus piezas, la morgue es
espacio de trabajo a manera de taller de la artista que también se traslada a las
calles en los últimos años, trabajando a partir de la llamada “guerra contra las
drogas”, la cual ha generado fosas clandestinas, muertes de policías, de militares,
de reporteros, de narcotraficantes, de madres, de familias, de niños, de miles de
jóvenes. La producción de Teresa Margolles plantea un espacio de reflexión, de
denuncia, enfrentándonos a una cruel espectralidad, su exploración con la muerte
y el cadáver tiene que ver con la cuestión social, los procesos de duelo histórico
que define el entorno actual que ha dejado miles de muertos en el país. La
investigación se desprende entonces de las relaciones entre sucesos, hechos y
engranajes de lo social, lo político y lo artístico. El trabajo está elaborado a través
de un análisis rizomático, así como de la teoría contemporánea a partir del
posestructuralismo francés y el arte contemporáneo.]]> original que se ha perdido en la época de la reproductibilidad mecánica. Sin
embargo, autores como Juan Antonio Ramírez y José Luis Brea, por medio de su
mirada, arrojan algo de luz para explicar esa pérdida y nos permiten reinventar
este concepto que por su versatilidad atraviesa al arte visual.
Se mostrará en este trabajo la transformación que sufre el aura
benjaminiana en la imagen contemporánea, proponiendo que ese lapso aurático
no sólo se produce en el momento frente al original -que se encuentra casi
obsoleto perdiendo peso frente a la reproducción-, sino que se suscita en la
experiencia estética gadameriana.]]> experiences, power games and relationships established within a society, a gaze
that is formed from the act of politicization which makes up a scopic regime and is
found in different moments of history, in Europe –the Middle Ages and modern
times – as well as in the Americas – since the pre Hispanic era. The transformation
and construction of this gaze is crossed by the notion of “mimetic episteme”, which
is defined as the repetition of knowledge, practices, life perspectives, images and
cults that are imitated and adapted by each culture. It is affirmed that in western
history the direction of the gaze has been guided by a political power that
establishes models or examples to be followed, like types of epistemes that are
institutionalized. Based on the repetition or imitation of knowledge, the gaze is
directed at the culture which, in the superposition and re-appropriation of patterns,
becomes hybrid.]]> todas las prácticas, valores, experiencias, juegos de poder y relaciones que se
establezcan dentro de una sociedad. Una mirada que es construida desde un acto
de politización que conforma un régimen escópico y que se localiza en distintos
momentos de la historia, tanto en Europa –edad media y modernidad- como en
América -desde la época prehispánica-. La transformación y construcción de esa
mirada se encuentra atravesada por la noción de ‘episteme mimética’, la cual se
define como la repetición de saberes, practicas, perspectivas de vida, imágenes, y
cultos, que se imitan y apropian en cada cultura. Se afirma que en la historia
occidental la dirección de la mirada ha estado conducida por un poder político que
instaura modelos o ejemplos a seguir, como una suerte de epistemes que se
institucionalizan. A partir de la repetición o imitación de saberes se dirige la mirada
en la cultura que, en la superposición y reapropiación de patrones, se convierte en
híbrida.]]> movie become a cult phenomenon. The work is based on the 2001 musical film
"Hedwig and the Angry Inch" directed by John Cameron Mitchell (United States).
Three film genres were researched (from a study perspective focused on movies
from the United States) - rock musical films , Queer films and cult films - in order to
understand the meaning contained in their conception within North American film
making, as well as their relation to studio films. Besides being genres that are
relevant in understanding the film, they were chosen because they are
contemporary genres and because they have barely been studied in Spanish. The
schema used was "Elementos de análisis cinematográfico" ("Elements of
Cinematographic Analysis") proposed by Professor Lauro Zavala to measure the
behavior of variables in the film and to separate the different lines of action. The
last chapter explores the importance of the songs in musical films by means of
studio films, dividing into three acts the three most important moments in the
narrative cinematographic structure. The first act related to song makes the wishes
of the character known, the second act is for the transformation of the character
and the third is for the culmination of learning regarding the character.
The objective of this work was to analyze the characteristics which can make a
movie become a cult phenomenon. The work is based on the 2001 musical film
"Hedwig and the Angry Inch" directed by John Cameron Mitchell (United States).
Three film genres were researched (from a study perspective focused on movies
from the United States) - rock musical films , Queer films and cult films - in order to
understand the meaning contained in their conception within North American film
making, as well as their relation to studio films. Besides being genres that are
relevant in understanding the film, they were chosen because they are
contemporary genres and because they have barely been studied in Spanish. The
schema used was "Elementos de análisis cinematográfico" ("Elements of
Cinematographic Analysis") proposed by Professor Lauro Zavala to measure the
behavior of variables in the film and to separate the different lines of action. The
last chapter explores the importance of the songs in musical films by means of
studio films, dividing into three acts the three most important moments in the
narrative cinematographic structure. The first act related to song makes the wishes
of the character known, the second act is for the transformation of the character
and the third is for the culmination of learning regarding the character.]]> pueden llevar a una película a convertirse en un fenómeno de culto tomando como
base la película musical “Hedwig and the Angry Inch” de 2001 del director John
Cameron Mitchell (Estados Unidos). Se investigaron tres géneros fílmicos (desde
una perspectiva de estudios enfocados en el cine estadounidense), el cine musical
de rock, el cine Queer y el cine de culto, para entender el significado que engloba
su concepción en el cine norteamericano, así como su relación con la película de
estudio. Además de ser géneros relevantes para entender el filme, se escogieron
por ser géneros contemporáneos y poco investigados en español. Se utilizó el
esquema de “Elementos de análisis cinematográfico” propuesto por el profesor
Lauro Zavala para medir el comportamiento de variables en el filme y separar sus
diferentes líneas de acción. El último capítulo está dedicado a intentar comprender
el lugar que ocupan las canciones en el cine musical por medio de la película de
estudio, dividiendo en tres actos los tres momentos más importantes de la
estructura narrativa cinematográfica. El acto primero para la canción que permita
conocer los deseos del personaje, el segundo acto para la transformación del
personaje y el tercero para la culminación del aprendizaje del personaje.]]>