In what way does the theatrical stage process, the acting process, have the actor as the best person? To have an approach to the study of being an actor, as a person, not with the intention of defining it, a brief historical review will be made of the way it has been seen in modern times from the perception of various theater theorists, directors and playwrights... Starting from the fundamental notion of the person as psychophysical and conscious, the concept of actor is studied from a triple perspective: its physical conditioning; his psychological preparation; and its growth in terms of being creative, free and social, starting point and arrival of its own activity.
To ground the reflection, the contributions of some of the theorists of the theater who have made the specific proposals in these areas are considered; Konstantin Stanislavki (1863-1938); Bertold Brech (1898-1956); Jerzy Grotowski (1933-1999); Eugenio Barba (1936-) among others.
This research aims to identify, ponder and integrate the coincidences and differences of the theoreticians in relation to their interpretations of being the actor himself, you can also indicate the point of view or formal aspect from which the object of study is contemplated: the improvement of the actor in the maturation process of his fundamental condition of person and theater in particular; It requires a process of self-awareness and self-discovery that promotes and facilitates an advance in the conformation of one's personality.
This process has a personal effect, a personal language through self-discovery, there is no way to achieve personal improvement, the ability to make decisions to modify our behavior. these actions do not generate any change if they are not assimilated as part of the total of life experiences.
The artistic activity has a better person and an interpreter in the individual, helping to understand multiple aesthetic, social and psychological processes that broaden the spectrum of their own perspective of the work and the work of art thus achieving the scenic process as a factor of improvement in Personalization of the actor.]]> ¿De qué manera el proceso escénico teatral, el proceso actoral, hace al actor mejor persona? Para aproximarnos al estudio de ser del actor, considerado como persona, noción que habremos de definir, se hará una breve reseña histórica de la manera como ha sido contemplado en los tiempos modernos desde la percepción de varios teóricos del teatro, directores y dramaturgos.
A partir de la noción fundamental de persona como ente psicofísico y consiente, se estudiará el concepto de actor desde una triple perspectiva: su acondicionamiento físico; su preparación psicológica; y su crecimiento en cuanto a ser creativo, libre y social, punto de partida y de llegada de su propia actividad.
Para aterrizar la reflexión, se considerarán las aportaciones de algunos d los teóricos del teatro que han hecho propuestas específicas en esos ámbitos; Konstantín Stanislavki (1863-1938); Bertold Brech (1898-1956); Jerzy Grotowski (1933-1999); Eugenio Barba (1936- ) entre otros.
Esta investigación pretende identificar, ponderar e integrar las coincidencias y las diferencias de los teóricos en relación a sus interpretaciones del ser propio del actor, también se especifica el punto de vista o aspecto formal desde el cual es contemplado el objeto de estudio: la mejora del actor en el proceso de maduración de su condición fundamental de persona y el teatro en particular; requieren de un proceso de autoconciencia y autodescubrimiento que promueven y facilitan un avance en la conformación de la propia personalidad.
Este proceso potencializa un mecanismo personal del lenguaje a través del autodescubrimiento, no hay manera de lograr una mejora personal sin la capacidad de tomar decisiones para modificar nuestra conducta permitiendo que las acciones de vida conformen nuestra personalidad, fortaleciendo el carácter; estas acciones no generan ningún cambio si no son asimiladas como parte del total de experiencias vitales.
La actividad artística hace mejor persona e intérprete al individuo, ayudándole a entender múltiples procesos estéticos, sociales y psicológicos que amplían el espectro de su propia perspectiva de lo bello y de la obra de arte logrando así el proceso escénico teatral como factor de mejora en la personalización del actor.]]> effect on the creative process during the study or the scenic interpretation, must
be approached from a multidisciplinary platform consisting of various categories
of analysis and its theories, since precisely the lack of connection between all the
aspects either influencing or contributing during such process has led to the
inconsistency of the body-sonorous message in many cases, in addition to the
possible consequences on the health of the interpreter. Most of this lack of body
awareness is because the teaching-learning process has been limited to the
repetition of general models inherited without taking into consideration physical
aspects so essential as anatomy and health care, which can produce physical
and psychological injuries by excessive loads of work. Music requires the passing
of time and this involves movement. Emphasizing on the importance of the body
as an instrument and vital agent during the creative process and the intersection
with the imaginary, as well as comprehensive knowledge in the biological,
emotional, mental, spiritual and social, contribute to the expression of being.
Corporality, unifying reason for this proposal, aims at providing the musician with
elements for the recovery of his/her consciousness as to be integral and scenic
artist with creative expression itself beyond the simple repetition of notes. Here,
unlearning and improvisation as a way of auto re-acquaintance taking elements
of dance as corporal expression or dance therapy are proposed, in order to
articulate the free flow from the inside and up to the sound production. It also
proposes considering the choreographic aspect in the proper design of fingering
and consequent instrumental execution that encourages their development and
performance for their art. Thus, disciplines such as ethics education, musical
pedagogy, sociology, psychology, the health sciences, communication and
dance, provide elements to address this issue through its theorists: Dalcroze and
Willems, Schinca, Stokoe and Schachter, Llobet and Fabregas, Lowen,
Johansson, Gardner, Bourdieu, Reca and Fux, among others.]]> su imagen, así como su efecto en el proceso creativo durante el estudio o la
interpretación escénica, debe abordarse desde una plataforma multidisciplinaria
integrada por diversas categorías de análisis y sus teorías, ya que precisamente
la falta de articulación entre todos los aspectos que influyen o contribuyen durante
dicho proceso, ha llevado en muchos casos a la incongruencia del mensaje
sonoro-corporal, además de las posibles consecuencias en la salud del
intérprete. Gran parte de esta ausencia de conciencia corporal, se debe a que el
proceso enseñanza-aprendizaje se ha limitado a la repetición de modelos
generales heredados sin considerar aspectos en lo físico tan esenciales como la
anatomía y el cuidado de la salud, que por excesos de carga de trabajo puede
producir lesiones físicas y psicológicas. La música requiere del paso del tiempo
y ello implica movimiento. Hacer énfasis sobre la importancia del cuerpo como
instrumento y agente vital durante el proceso creativo y la intersección con el
imaginario, así como el conocimiento integral en lo biológico, emocional, mental,
espiritual y social, aporta en la expresión del ser. La corporalidad, motivo
unificador de esta propuesta, pretende aportar al músico elementos para la
recuperación de su conciencia como ser integral y artista escénico con expresión
creativa propia más allá de la simple repetición de notas. Aquí se proponen el
desaprendizaje y la improvisación como vías de auto re-conocimiento tomando
elementos de la danza como la expresión corporal o de la danzaterapia, para
articular el libre flujo desde su interior y hasta la producción sonora. También
propone lo coreográfico en el adecuado diseño de la digitación y consecuente
ejecución instrumental que favorezca su desarrollo y desempeño en pro de su
arte. De esta manera, disciplinas como ética de la educación, la pedagogía
musical, la sociología, la psicología, las ciencias de la salud, la comunicación y
danza, aportan elementos para abordar esta problemática, a través de sus
teóricos: Dalcroze y Willems, Schinca, Stokoe y Schächter, Llobet y Fábregas,
Lowen, Johansson, Gardner, Bourdieu, Reca y Fux, entre otros.]]>
gastronomy is found not only the stories of the three disciplines are exciting, but from old relationships have saved abundant. In the cave paintings religious sense combined with the artistic and gastronomic. The still lifes, avant la lettre, Egypt, Greece and Rome, as well as spiritual appeal to your viewers do recall eating habits and customs of these peoples. The city life was portrayed in Dutch still lifes of markets and butchers. They not only educated on humanism, taught also to serve the table. The Spanish word used to name these paintings, still life, remember the cellar or pantry, instead of gathering food. Two special cases are that of Leonardo da Vinci and Gioacchino Rossini, both artists and both interested in the kitchen. The twentieth century is full of artists who use the kitchen and food to make art: Daniel Spoerri, Alison Knowles, Martha Minujín and Rirkrit Tiravanija. The proposal of this thesis is theoretical and documentary. The issue is the possible alliances, dialogical suggested, between art, cuisine and gastronomy. I argue that the cuisine and gastronomy are not art, but interact and engage in dialogue. It raises the question if only from different disciplines, but influence. This influence was documented and critically, with its difficulties, by Alfonso Reyes, to name a case.]]> visuality. The main objective is the theoretical work of Michel Foucault. That is, from the location of the three strands of thought and work of French author, is intended to track certain points or coordinates from which is possible to construct a map of the visible. Why not start with a historical analysis "archeology" of knowledge and power and its relationship with the visible? This proposal, by way of a History of the Western image of Regis Debray, recognizes the need for a critical approach to contemporary visual art, a situation that in this work is sought primarily from Foucault theoretical platform. Thus, it is critical to generate a sense of belonging, through a visual evolution, we projected from disciplinary societies to control societies (Gilles Deleuze). Therefore, the map which aims to build on this work, part of an archaeological platform (Foucault), from which can emerge in particular sight lines and their crosses with knowledge, with power and with the subject. That is, through knowledge, power and the subject, as the three axes that structure the work of Foucault and the axes of the map, this proposal places the problem of visibility as sociocultural construction, as a paradigm of visuality. Foucault's theoretical proposal, specified here as an archeology of visuality. Therefore, the theoretical framework is composed of historic elements discharging elements of analysis on socio-cultural construction of visuality (visual knowledge, visual practice), for, from this, incorporate a critical reading of the way Gilles Deleuze. In this sense, Foucault's thought provides both the theoretical and historical framework of a moving map as figuration, to try to modulate it, build it, rebuild it and approach the relationship between art and society from a critical conceptual platform. From a floating, mobile, mapping would be one of "the positive and multiple" one of the difference. Whereas the productive is not sedentary but nomadic, modulation refers to the syntagma as chaining multiple, diverse and singular.]]> Artaud was rather an art visionary than a foolish person, like he was unfairly
classified by most of his contemporary social environment. By means of
studying his writings and using the results of other researchers’ analysis, this
work clarifies his theories about the confusion of the culture, the concept of
society sickens, the speech of the abyect art, the language of the art, the
demanding art of the cruelty and the duality that they are up to date in
contemporary art analysis. Also, this paper aims to demonstrate that his
apparent extravagance is determined by his views and perceptions on art, his
intentions to change art formalities and his poetic expressions, which are highly
emphasized by his sensibility, sense of contemplation and philosophy of art and
life.]]> Antonin Artaud fue la de un visionario del arte y no el de un demente como le
fue injustamente determinado por la sociedad de su lugar y su época. Por
medio de sus propios escritos y por el análisis de otros investigadores se
propone aclarar que sus teorías sobre la confusión de la cultura, la sociedad
enferma, el discurso de lo abyecto, el lenguaje del arte, lo exigente de la
crueldad y la alteridad son vigentes en la concepción del arte contemporáneo.
Mostrar que su aparente extravagancia se debía a la forma de percepción que
él había logrado ver del arte, su intención de cambiar las formalidades del arte
se expresaban en cargas poéticas altamente enfatizadas por su sensibilidad, la
contemplación y su filosofía del arte y de la vida. ]]> fotográfica Drop Dead Gorgeous de Daniela Edburg.]]> disappearance. Art has touched and merged its borders with those of other
disciplines. Art has been gobbled up by art, and in that vortex, as though it were
a black hole, it has incorporated in its center the culture of the masses,
consumption, supply, the street, the universe of the logotype and the copyright;
publicity. This study is an approach to the orgiastic process that contemporary
art has had with these disciplines through one of its most seductive
expressions: a sense of humor. AII from the perspective of one of the multiple
manifestatíons of art at thís specific moment: the work of Daniela Edburg,
partícularly in her photographic series "Drop Dead Gorgeous." In thís series,
Edburg incorporates in the artistic space cookies, delicacies and household
appliances, among other objects of everyday use, as homicidal instruments of
models that simulate a glamorous death. As if that were not enough, she
establishes "Drop Dead Gorgeous," as a playful exercise which parodies the
works of other artists such as Ingres, Whistler or Hitchcock, as well as pop
esthetics arising from publicity and magazines, thus creating an artistic
discourse that functions both independently and with its inter-textual precedent.
In order to approach Edburg's work, a theoretical framework having three
fundamental ideas was prepared: the seduction of Jean Baudrillard, Bergson's
sense of humor and Hutcheon's parody. T~lis was to find whether or not sense
of humor has adjoining lines with seduction and if it can then be used to seduce.
In addition to the theoretical framework, the study also included two personal
interviews with the author to hear in her own words how she defines her work
and find out the "behind the cameras" of each of her images. Thus, this study is
a trans-disciplinary theoretical transgression regarding a phenomenon that is
equally trans-disciplinary in the search for a theoretical up-dating of the artistic
vanguard.]]> desaparición. El arte ha tocado y fundido sus bordes con los de otras disciplinas,
sobre las propias; el arte ha sido engullido por el arte, y en esa vorágine, como si
fuese un hoyo negro, ha llevado a su centro la cultura de masas, al consumo, la
oferta, la calle, el universo del logotipo y el copyright; la publicidad. Esta
investigación es un acercamiento al proceso orgiástico que ha tenido el arte
contemporáneo con esas disciplinas a través de una de sus expresiones más
seductoras: el sentido del humor. Todo, desde la perspectiva de una de las
múltiples manifestaciones de este momento específico del arte: la obra de Daniela
Edburg, particularmente con su serie fotográfica “Drop Dead Gorgeous”. Ésta es
una serie en donde Edburg incorpora al espacio artístico galletas, golosinas,
electrodomésticos, entre otros objetos de uso cotidiano, como instrumentos
homicidas de modelos que simulan una muerte glamorosa. No suficiente con ello,
“Drop Dead Gorgeous”, tal como ella lo establece, es un ejercicio lúdico que
parodia algunas obras de otros artistas como el caso de Ingres, Whistler o
Hitchcock, así como la estética pop proveniente de la publicidad y las revistas,
generando un discurso artístico que lo mismo funciona de manera independiente
que con su precedente intertextual. Para poder acercarse a la obra de Edburg se
construyó este marco teórico desde tres ejes: la seducción de Jean Baudrillard, el
sentido del humor con Bergson y la parodia desde Hutcheon, para demostrar si el
sentido del humor tiene líneas de colindancia con la seducción y si entonces
puede funcionar para seducir. Además del marco teórico, el trabajo de
investigación también contó con dos entrevistas presenciales con la autora, para
escuchar de viva voz la manera en que ella define su trabajo y conocer el “detrás
de cámaras” de cada una de sus imágenes. Es así como esta investigación es una
transgresión teórica transdisciplinaria para un fenómeno igualmente
transdisciplinario en búsqueda de una actualización teórica a la vanguardia
artística.]]> the 21" century. Semiotics of dramatic text. Oramaturgy of Barbara Colio.
Comparative semiotic analysis of the plays: "La habitación· and "Pequeñas
certezas•. lnvestigation is documentary and is based on bibliographic and
newspaper material. Proposals from Armando Partida Tayzan, related to Mexican
theater and Benito Cañada Rangel related lo semiotics aspects and theater
semiology will be stressed. A brief outline on Mexican dramaturgy from 1950 to
2000 will be presented with the aim of explaining a panoramic view of the change
in thinking, thematic and types of writing in the second hall of 21" century. This
generation is named new dramaturgy. The most representativa dramatísts from the
first decade of 21"century will be presented, which are identified as the Dramatists
Generation and their way of writing will be known as ' Oramatism•, which brings out
the rupture with the Aristotelían structure. These dramatists state that narrative
depends on drama and dramatíc text from mimetic margins are broken. We
differéntiate between semiotics and theater semiology and explain those gins
recognized by readers and spectators. who carry social messages; signs which
universaliza under the perspective of globalization, making a difference between
Oramatism and postmodemism. Oramaturgy of Bárbara Colio is analyzed, their
transcendence, importance and legacy in the conlemporary Mexican dramaturgy.
We ratify that Colio is a representativa the Oramatists Generation and prove that
her writing is attached better to postmodernism aspects than dramatism. We
compare three theater signs shown in the plays "la habitación" and "Pequeñas
certezas": the rain, !he dog and the beach. These three signs reinforce the author's
themes: loneliness, death and desolation, reality of a globalized, postmodern and
mediatizad society. Postmodernity rather than Oramatism is the conclusion of this
analysis of "la habitación" and "Pequeñas certezas", leaving as a proposal a
reflection aboul dramatic Mexican theater and semiotic study of Bárbara Colio's
dramaturgy.]]> década siglo XXI. Semiótica del texto dramático. La dramaturgia de Bárbara Colio.
Análisis comparativo semiótico de las obras La habitación y Pequeiias certezas.
La indagación es documental y se respaldará de material bibliográfico y
hemerográfico. Se enfatizarán las propuestas de los investigadores Armando
Partida Tayzan referente al teatro mexicano y Benito Cañada Rangel en cuanto a
los aspectos de semiótica y semiología teatral. Se dará un breve bosquejo de la
dramaturgia mexicana partiendo de 1950 a 2000, con la intensión de explicar una
panorámica del cambio que se suscitó en el pensamiento, temática y formas de
escritura de la última mitad del siglo XX. Esta generación se nombrará Novísima
Dramaturgia. Se expondrá a los dramaturgos más representativos de la primera
década del siglo XXI . que se reconocerá como Generación Narratúrgica y su
fomna de escritura conocida como Narraturgia. La cual plantea la ruptura con la
estructura aristotélica. Estos dramaturgos afirman que lo narrativo se supedita a lo
dramático y se rompen los márgenes miméticos del texto dramático. Se hará una
diferenciación entre semiótica y semiología teatral. se explicarán aquellos signos
reconocidos por el lector y espectador, reiterativos de los mensajes sociales;
signos que se universalizan bajo la perspectiva de la globalización. marcando la
diferencia entre Narraturgia y Posmodernismo. Se analizarán las obras dramáticas
de Bárbara Colio, trascendencia. importancia y legado dentro de la dramaturgia
mexicana contemporánea. Se ratificara que Colio es repre$éi'ltáiite de la
Generación Narratúrgica y se comprobará que su escritura se anexa más a los
aspectos del posmodernismo y no tanto a los narratúrgicos. Se compararán tres
signos teatrales mostrados en las obras La habitación y Pequeiias certezas: la
lluvia, el perro y la playa. Estos tres signos refuerzan los temas de la autora: la
soledad. la muerte y la desolación. Realidad de una sociedad mediatizada,
posmoderna y globalizada. Posmodernidad más que Narraturgia, es lo que se
concluirá en este análisis de La habitación y Pequetias certezas. Dejando como
propuesta una re flexión del teatro mexicano narratúrgico y estudio semiótico de la
dramaturgia de Bárbara Colio.]]> Century art. Its success has resided as a resource for modern abstract
painters and as visual language of modern art pieces as well as a symbol
of modernity in art.
Even though the grid as a concept in art theory has been discussed
thoroughly by foreign art critiques and artists, it has received little
attention to acknowledge Mexican geometrism artworks. In this study, the
grid is analized throughout a selection of 20th. Century European and
American paintings, linking Rosalind Krauss ideas as she defined the grid
in her 1979 text, Grids.
A research on Mexican geometrism historical context provides
information on how this group was created, who were its members and if
they might have been influenced by European vangards. This study ends
with an analysis of the grid and how it is expressed through spatial nets
by Mexican geometrism artists, who explored its possibilities and
limitations within their visual language. ]]> plástica del siglo XX. Su éxito reside como recurso para numerosos
artistas de la abstracción moderna, como lenguaje visual de las
principales obras de arte moderno y como un emblema de modernidad
en el arte.
Aunque la retícula como concepto en teoría del arte ha sido tema de
discusión en obras de artistas extranjeros, ha recibido poca atención para
abordar la pintura de artistas del geometrismo mexicano. En este trabajo
se estudia la presencia de la retícula en una selección de obras europeas
y norteamericanas del siglo XX vinculando ideas de los textos de
Rosalind Krauss, quien la define como concepto en su ensayo Retículas
de 1979. Se presenta una investigación acerca del contexto histórico del
geometrismo mexicano y la posible influencia que este grupo recibió de
las vanguardias europeas. El estudio cierra con un análisis de la retícula
y su manifestación como redes espaciales a partir de la obra de artistas
pertenecientes al geometrismo mexicano, quienes exploraron sus
posibilidades y limitaciones dentro de su lenguaje visual.]]> between the subject and the artistic object, which in specific cases points to the
representation or allusion of social control systems. After reviewing of several texts
on Digital Art, Virtual Reality and Interactive Art, a lack of conceptualization and
theoretical reflection regarding the artistic works that represent explicitly or in a
disguised manner the control systems that exist within Interactive Art and Virtual
Reality was found. As a result, it will be enriching to propose new interpretive
focuses on these art works, finding in them the operative strategies of the system
of control and enclosure of the subject chiefly through three focuses: the first
through the abolition of distance between the subject and the work, in other works,
the subject is immersed closed within the work; the second is notion of the subject
as an implant within the work, ceasing to be only a viewer and becoming dissolved
in the work until he/she becomes and implant; finally, the third is the representation
of a work that imprisons, closes in, utilizes, manipulates and keeps guard over the
viewer, thus explicitly representing the system of social control. By using these
three aspects, this text creates a new category of art analysis and the use of new
technologies that can be enriching for Digital Art, Virtual Reality and Interactive Art
studies.]]> interesante entre el sujeto y el objeto artístico que en casos específicos apuntan a
la representación o alusión de los sistemas de control social. Después de la
revisión de varios textos sobre arte digital, Realidad Virtual y arte interactivo, se
encontró la falta de conceptualización y reflexión teórica en torno a las obras
artísticas que representan de forma explícita o disfrazada los sistemas de control
existentes dentro del arte interactivo y la Realidad Virtual. Es por esto que será
enriquecedor proponer nuevos enfoques interpretativos a estas obras de arte,
encontrando en ellas las estrategias operativas de los sistemas de control y
encierro hacia el sujeto mediante tres enfoques principalmente; el primero
mediante la abolición de la distancia entre el sujeto y la obra, es decir el sujeto
queda sumergido –encerrado- dentro de la obra, el segundo es la noción de sujeto
como injerto de la obra dejando de ser solamente el espectador y ahora
disolviéndose en la obra hasta convertirse en injerto y finalmente el tercero es la
representación de una obra que encarcela, encierra, utiliza, manipula y vigila al
espectador representando de esta manera explícitamente los sistemas de control
social. Con estas tres vertientes este texto genera una nueva categoría de análisis
del arte y el uso de nuevas tecnologías que puede resultar enriquecedor para
estudios de arte digital, Realidad Virtual y Arte Interactivo.]]> violence in Mexico during the last ten years, an emergent situation for this country,
which is attached to the media problem; the other axis emerges around Teresa
Margolles´s individual artistic production in a non-linear travel until her last
exhibition presented this year in Kassel, Germany. Teresa Margolles, a Mexican
artist, started working individually since the second half of the nineties, after being
an integrant of some to group of SEMEFO, name taken from the public institution:
Forensic Medical Service (Servicio Médico Forense). In 2009, Teresa Margolles
was selected to represent Mexico for the fiftieth edition of Venice´s Biennial, the
exhibition was named: ¿De qué otra cosa podríamos hablar? (Of what other thing
can we talk about?) Exhibition conceived from the material traces of murders,
police´s reports, news, socio-political events; from concepts like power, death and
forbiddance; from real violent events, in which the artist conceives, becomes part
and builds her pieces. Morgues, and recently streets, are like a workshop, working
in the so called “war against the narco”, which has generated clandestine graves,
and the death of: policemen, soldiers, reporters, drug dealers, mothers, families,
children and thousands of young people. Teresa Margolles’s production raises a
space for reflection, for denounce facing us against a cruel spectrality. Her
exploration with death and corpses involves with the social matter, the historical
grieving process that defines the actual background that had left over thousands of
deaths in the country. So the investigation takes part from the relations between
the events, the facts and social gears, political and artistic. The study is carried out
through a rizomatical analysis, and also through the contemporary theory based
the French post-structuralism and the modern-day art.]]> tema de la violencia en México en los últimos diez años, situación emergente para
el país ligado al problema de los medios de comunicación, dentro de esta
problemática; el otro eje se da en torno a la producción artística individual de
Teresa Margolles en un recorrido no lineal en su producción hasta la última
muestra en Kassel, Alemania, en el presente año. Teresa Margolles artista
mexicana comienza a trabajar individualmente a partir de la segunda mitad de la
década de los noventa, después de ser parte del grupo SEMEFO, nombre
apropiado de la Institución pública: Servicio Médico Forense. Teresa Margolles fue
seleccionada en el año 2009 para representar a México en la quincuagésima
edición de la Bienal de Venecia, la muestra se tituló ¿De qué otra cosa podríamos
hablar?, exposición que está concebida a partir de huellas materiales de
asesinatos, reportes policíacos, noticias de prensa, sucesos socio-políticos; de
conceptos como poder, muerte, y prohibición; de acontecimientos violentos reales
en donde la artista concibe, se inserta y construye sus piezas, la morgue es
espacio de trabajo a manera de taller de la artista que también se traslada a las
calles en los últimos años, trabajando a partir de la llamada “guerra contra las
drogas”, la cual ha generado fosas clandestinas, muertes de policías, de militares,
de reporteros, de narcotraficantes, de madres, de familias, de niños, de miles de
jóvenes. La producción de Teresa Margolles plantea un espacio de reflexión, de
denuncia, enfrentándonos a una cruel espectralidad, su exploración con la muerte
y el cadáver tiene que ver con la cuestión social, los procesos de duelo histórico
que define el entorno actual que ha dejado miles de muertos en el país. La
investigación se desprende entonces de las relaciones entre sucesos, hechos y
engranajes de lo social, lo político y lo artístico. El trabajo está elaborado a través
de un análisis rizomático, así como de la teoría contemporánea a partir del
posestructuralismo francés y el arte contemporáneo.]]>